Kategoriarkiv: 2022

I:DI Galleri presenterar

R Y M D P R O G R A M M E T  ”Momentum”    26.8 – 18.9  2022

Välkommen på vernissage
fredagen den 26.8  kl 17-20

ID:I Galleri, Tjärhovsgatan 19, Stockholm
– ett utbyte med Molekyl gallery, Malmö

Rymdprogrammet är en oberoende plattform för konstnärlig samverkan och gemensamma projekt. Den växte fram 2019 som en spin-off ur arbetet med offentliga gestaltningar och inkluderar nu även olika former av workshops och av curaterade utställningar.
Verksamheten är experimentell och processorienterad. Den undersöker möjligheter och fördelar med samarbeten och kombinationer av de medverkandes olika teman, tekniker och metoder: keramik möter elektronik, foto, video, måleri, arkitektur, snickeri, performance och text. Plattformen delar lokaler med Molekyl gallery i Malmö och har inget fast antal medverkande. Utställningen på ID:I är en presentation av både individuella verk och samarbeten.
 
 
Mats Andersson (f. 1966), MFA – Malmö Konsthögskola 1999, verksam i Malmö.

Konstnär och museitekniker. Arbetar konceptuellt / idébaserat med foto och skulptur utifrån ett intresse för relationerna mellan kropp, psykologi, litteratur, film och arkitektur, samt med offentlig gestaltning och utställningsarkitektur tillsammans med Johan Sandström.

Charlotta Bellander (f. 1968), MFA – Tillämpad konst, HDK, Göteborg 2012, verksam i Göteborg.
Arbetar konceptuellt och konkret med keramik, fotografi och film. Naturelementens rörelser och visuella språk utgör inspirationskälla för hennes intuitiva och undersökande arbetsmetod som ofta utgår ifrån platsen hon befinner sig på. Hon beger sig regelbundet ut i landskapet och dokumenterar det med sin kamera och letar efter lera som går att använda i sitt experimenterande med representation, teknik, kemi och uttryck.

Liselott Bjurgard Wassborg (f. 1966), MFA – Konst, Konstfack 1999, verksam i Eksjö och Malmö.
Arbetar med icke föreställande måleriska processer. Arbetet är intuitivt och handlar om ett personligt inre samtal med materialen som verktyg.

Camilla Carlsson (f. 1971), MFA – Konsthögskolan i Malmö 2001, verksam i Stockholm.
Konstnär och konstpedagog. Hon använder olika uttryck, material och metoder beroende på tema: sedan länge arbetar hon kring lek, bygglek och lekens roll i samhället. Hon fotograferar spår av lek och samlar citat om lek i ett pågående lekarkiv. Hennes konst kan vara allt från teckningar, collage, objekt till textila installationer. I gestaltningsuppdrag gör hon ofta barn delaktiga i skapandeprocesserna

John Håkansson (f. 1966), BA Fotohögskolan i Göteborg 1993, samt studier vid Konstfack och KKH, verksam i Stockholm.
Konstnär, fotograf och pedagog. Arbetar med teman som kretsar kring arkitektur, stad och landskap – människans avtryck på omgivningen. Ämnena upptäcker han oftast i sin närhet. Fotografi är hans huvudsakliga medium, men arbetar även med rörlig bild och objekt och fotoböcker.

Timo Menke (f. 1967), MFA – Konst, Konstfack 1999, verksam i Stockholm.
Timo Menkes interdisciplinära praktik präglas av ett intresse för mörka objekt, processer och metoder. Syftet är att utveckla en ”mörk holism” som innefattar och lyfter fram de negativa och paradoxala effekterna av mänsklighetens aktiviteter. (Begreppet holism lanserades på 1920-talet av den sydafrikanska filosofen och politikern Jan Smuts.)

Johan Sandström (f. 1963), MFA – Konst, Konstfack 1998, verksam i Malmö.
Konstnär, arkitekt och curator på Molekyl gallery. Arbetar med abstrakt måleri och med foto och skulptur i en kombination av naivism och dada-surrealistisk collagetradition. Samarbetar också med Mats Andersson med offentlig gestaltning och utställningsarkitektur.

Magnus Wassborg (F. 1962), MFA – Konst, Konstfack 1998, verksam i Eksjö och Malmö.
Magnus Wassborgs verk består av autonom lågintensiv digital mjukvara och intelligenta metaller som arbetar med sina processer i symbios med naturen. Driften består av energi från solljus, vind, vattenkraft, värme och kyla. Wassborg arbetar även med processmåleri starkt knuten till de autonoma skulpturerna.

_______________________________________________________________________________

HÖST 2022  

26.8-18.9 Molekyl Galleri, Malmö  

23.9 – 9.10 Åsa Andersson Broms  

14.10-16.10 Migrant kitchen  

21.10-30.10 Henrik Brandt  

4.11-20.11 Dan Lageryd   

25.11-11.12 Albin Karlsson

Andra konstnärsdrivna gallerier på östra Södermalm: 

Studio 44
Candyland
Tegen 2

hangmenProjects

ID:I galleri, Tjärhovsgatan 19, 116 28 Stockholm.
www.idigalleri.org

IASPIS på ID:I

Välkommen till en kollektiv utställning med verk av IASPIS ateljestipendiater Neil Brownsword, Yishay Garbasz, Catherine Anyango Grünewald, Weronika Bela & Ivar Hagren, Dan Halter, Sara Kaaman, Jenny Magnusson, Lais Myrrha, Angela Su och Benno Voorham.

Utställningen pågår t.o.m. 21 augusti
Öppet fredag 12-18.
lördag-söndag 12-16

”Det har gått mer än två månader sedan de flesta av oss kom till Stockholm. Trots geografiska, kulturella och andra särdrag har vissa släktskap med våra olika konstnärliga inriktningar blivit uppenbara sedan vi först träffades i IASPIS-köket. De många samtalen, filmvisningarna, festerna, middagarna, konserterna, museibesöken, båtturer, delande av musik och utflykter till simhallen, har gjort att vi på ett bättre sätt kan ta det utrymme vi befinner oss i nu i anspråk. (…)”
Läs hela texten av Lais Myrrha på engelska nedan.

ID:I Galleri är ett konstnärsdrivet galleri som startade 2003 och där 27 medlemmar driver verksamheten och hyr lokalen tillsammans. 

The Future as Negative Spaces Welcome to a collective exhibition with works by IASPIS residents Neil Brownsword, Yishay Garbasz, Catherine Anyango Grünewald, Weronika Bela & Ivar Hagren, Dan Halter, Sara Kaaman, Jenny Magnusson, Lais Myrrha, Angela Su and Benno Voorham. ”How long Do works endure? As long As they are not completed. Since as long as they demand effort They do not decay. ” Bertolt Brecht The Future as Negative Spaces More than two months have passed since a part of us arrived in Stockholm. Despite geographical, cultural and other idiosyncrasies, some affinities of our different research backgrounds have become apparent since we first met in the IASPIS kitchen. The many conversations, film screenings, parties, dinners, concerts, museum visits, boat trips, the sharing of music and excursions to the swimming pool, have allowed us to inhabit in a better way the space we are in now. There is a common point worth noting: most of us were born during the Cold War and felt its temperature more or less intensely. Perhaps, because we experienced this historical period, we learned, that borders are not fixed entities, but designs of an epoch. That even solid, heavy industrial poles can simply relocate in search of cheaper labour, leaving behind tons of waste, relegating entire cities and populations to a state of almost complete abandonment. It is not by chance that borders, ruins, detritus from industries and buildings, fields of raw material extraction, accelerated obsolescence of objects and professions, economic monopolies, subjection, control, and annihilation of historically oppressed bodies, are themes running through the works presented here. All these problems have become ever more evident, in their recurring presence, after the fall of the Berlin Wall and subsequent global domination of neoliberalism. As artists, we try to remain vigilant, having not lost our capacity to be haunted in front of it. Almost all of us have seen the supposed end of the Cold War, Latin American dictatorships, and other authoritarian regimes promoted by the United States of America in its crusade against communism. Like ruins, authoritarianism did not disappear and even today fragments of the wall dividing Germany are sold on eBay and Amazon, which, in turn, work as a good metaphor for the new face of global capitalism in its financialized and technocratic version, insofar as it takes or wants to take possession of people from the inside (the word souvenir is handy in this case). It is against this fetishization and commodification of memory, the taking over of subjectivity that the artist’s hand brushes over the paper to draw the closing moments where bodies succumb to police violence, to wars, to states. Insisting on such scenes forces us to gaze at (and to remember) the countless bodies that were and are sacrificed as fuel to feed the capitalist machine. If capitalism, like a snake, needs to shed its skin from time to time to grow and fatten, we are the ones who look for the dead tissues it leaves behind. Slack, diaphanous, and torn, these skins indicate a double presence, both of the past and the future. It is a warning not to forget that the bodies once covered by them are now protected by a surface more suited to their size, more resistant, and more falsely transparent. For me, the works exhibited here are like these skins: the sign of something that has been displaced into surrounding space, leaving a trace, a presence in what is to come. Scraps of ceramics, aged photographic papers, old images extracted from archives, unfinished constructions, old maps, board games, youth… For Walter Benjamin, the era of the technological reproducibility of the image corresponds to the moment where things lose their cult value, but not absolutely. For Benjamin, photographs of the faces of our loved ones, dead or missing, are the last refuge of the ‘aura’. These portraits are not themselves the objects of our love, but of what we reencounter through them. Like portraits and the serpent’s skins, the objects are portals. And what about these faces? Where can they be found in this exhibition? Inside boxes of aged photosensitive paper, that time has turned completely grey? In the vision of empty borders with their bridges and defence devices whose names seem taken from a fantastic tale? In the letters, we send to ourselves? In the hands that operate, at a distance, machines digging the earth to extract clay? Submerged in the serene waters of the sea, on the third bank of the river 1 * , or in the gaze, voice and gestures of children whose infancy was marked by the experience of war? In the delicate work of painting, porcelain carried out in the midst of ruins, between cigarettes? The faces in this exhibition are everywhere, everything here is the serpent’s skin, vestiges much like the photographs of loved ones, which carry with them our present only because they give colour, in a double movement, to the past and to the future. Each of the works on display appears as a blow and absence that has escaped official history, detached itself from a kind of world that has done its best to forge a state of general indifference: to otherness, death, and anything that lies beyond the established boundaries. Firstly, let us recall what is meant by indifference, as both apathy and a lack of receptivity to the other. The other as an eternally foreign category which threatens the stability of conventions and egos, of politics, of beliefs, of the boundaries that divide cities, neighbourhoods and people. The self-seen as other, The Other Selves, because to belong to this world of indifference one cannot but look at death, to the ‘wear and tear’ of bodies themselves, without losing oneself, without putting oneself outside one’s own ‘self’. In this tedious world, old age will never be understood and celebrated as the opening of multiple futures, but only, irremediably, as the loss of one single past, that of youth. To condemn the people to eternal youth is thus to deprive them of a future. Ah, the limits… of bodies, of mentalities, of territories, of the conventions that regulate different times and spaces. They are all at once imaginary and brutally real lines, drawn and guarded by the sort of inexhaustible effort present in the apparent and artificial stillness of borders, ICUs, psychiatric hospitals, and prisons. To maintain this monotony requires a gigantic workforce, a proliferation of surveillance mechanisms, massive quantities of resources, violence, apathy, and amnesia. All this effort requires an extra force that operates in the extra fields of official representations. It is precisely in this direction that this exposition is pointing to a space outside of the frame. And this negative space is seen through the intervals between one photograph and another, not always candid, of women involved in sewing activities, over the thousands of candles and cigarettes lit by Swedish matches, or by the unmeasured resources and expectations contained in the process of obtaining a small and disappointing pile of clay. At least, not only brutality can be felt by its negative space, but also love: the longing, the absence, the memory of the last look, the last breath, the last touch before the body goes cold. Remember the serpent’s skins? They condense different times: they are images of the future as negative space, surfaces that shaped a presence, a body, and cut open to make room for the future. Negative space is not a concrete and closed mould, it has neither outside nor inside, it is the inside out, torn skin. It is the clothes that no longer fit us and brings with it a warning. For this reason, perhaps anachronistically, we continue to cross bridges backwards, to strive stubbornly to find new ways of generating poetry. It is what justifies our being together in this small space, giving us the necessary courage to contemplate the dragon’s gaping teeth with the joy to continue dancing, to trace hot planes over obsolete maps and to speak – far away from armies – the silent language of forms, of images, and of bodies. This is our effort.

Joonas Jokiranta

Vedträet och svanarna
Vernissage fredag den 9 juni kl 17-20
10/6 – 19/6 2022
Öppettider tors-fre 12-18 och lör-sön 12-16
Tjärhovsgatan 19 116 28 Stockholm
Välkomna

Svanarna seglar in genom dörren till galleriet. De hälsar på varandra och tar med sina simfötter tag i vinglaset som de blir erbjudna. Dukningen är klar. Målningar har hängts upp på väggarna: bilder, figurer, ytor – korta historier om verklighet och overklighet. Svanarna undersöker de utställda fragmenten och formerna. De umgås, utbyter artigheter, putsar varandra och nickar godkännande eller aningen förvånat med sina långa halsar. De dansar fram målmedvetet i tiden – tiden som är oändlig och avgränsad – och lämnar spår efter sig i de skälvande partiklar som ekar runt omkring, i varats mystiska historia.

När mittpunkten består av ett kulturellt skådespel finns även innehållet i mittpunkten: att aktivt använda det korta livet för att dra ett djärvt streck. Människan vill bygga, snida, färga eller till och med skråma ytan framför sig för att bevisa sin existens. Alla dessa bemödanden och försök förtjänar respekt, men de kommer ändå aldrig att bli annat försök
– det finns ingenting som är fullständigt. Ändå är hacket som yxan fått till stånd i träbiten ett bevis på liv.
Livet är i sin tur den enda kraften som motsätter sig entropi.

Om mina målningar:
Jag tar tag i sådant som håller på och försvinner eller sådant som aldrig ens har existerat. Mina konstverk är spår av performance och samtidigt fläckar av verkligheten. Jag analyserar och arbetar samtidigt. Jag undersöker ingenting – jag gör fynd och förkastar fynd.

Jag använder figurer som svepskäl för att skapa gester med färg och form. De fyller bakgrunden av sig själva. Min uppgift är bara att välja och värna om de områden som ännu är tomma. Figurerna och gesterna symboliserar slutligen ingenting. De har samma värde även för mig. Varje tecken och streck är både denotationer och bitar av den mänskliga gemenskapens introspektion. Jag är inte cynisk. Jag saknar varken känslor, vilja eller åsikter. Jag är en metafysisk nihilist – jag betvivlar verklighetens existens. 

Trots det väljer jag verkligheten på nytt varje dag. 

Det är inte jag som har skapat mina verk. Jag filtrerar, lockar fram och sammanställer tankar jag inte själv har producerat. Varenda tanke är stulen. Jag har stulit från kulturhistorien och populärkulturen. Mest har jag stulit av dem som står mig nära. Jag ger bort alla mina tankar eftersom egendomen är ett brott. Jag begår inga tankebrott. Jag begår fysiska brott precis som alla andra.

Joonas Jokiranta (född 1980 i Kjulo, Finland) skapar visuell poesi, fysiska essäer och absurda men ändå sanningsenliga uttalanden som undersöker det förgångna, nuet, dystopier och bortglömda utopier. Han intertextualiserar allt både icke-politiskt och politiskt.
Jokiranta betraktar sina verk som spår av performance och fläckar av existensen – som han släpper ut i vattnet precis som flaskpost. Med hjälp av video, ljud, färg, objekt, olika material och sin egen kropp tar han publiken med på en själslig men ändå ytlig resa genom det postindustriella samhällets förfall.

I:DI Galleri presenterar

Slå rot fästa stygn

ID:I Galleri presenterar Mona Petersson Slå rot fästa stygn

broderi objekt video

Vernissage fredag 20/5 kl 17-20

 Utställningen pågår under perioden 20/5-5/6

Öppettider tors-fre 12-18 och lör-sön 12-16

 Välkomna 

 Slå rot fästa stygn

I tidigare utställningar på ID:I har jag intresserat mig för marken under ett kalhygge. Det odlingslandskap där solitära tallplantor planteras på en föryngringsyta i kontrast till skogens uråldriga intrikata nätverk.

Jag återkommer i Slå Rot fästa tråd till fenomenet att rotspetsens styrande förmåga försvinner om toppen skärs av. Stygnens väg och rotspetsens rörelse är en metafor jag bär med mig när stygnen metodiskt letar sig fram över tyget. Där varje stygn är en medveten handling likt rotens förmåga att leta sig fram runt stenar. Stygnen visualiserar tid och rum och blir under arbetets gång en bärare av händelser och minnen som att någon tar sig rätten att ödelägga ett land en kultur och tvinga fram rotlöshet. 

Jag visar handbroderier på galon och lin tillsammans med objekt och video.

Verksamhetsbeskrivning

I min konstnärliga produktion intresserar jag mig för miljöfrågor och människans påverkan i relation till natursyn och maktutövning. Jag arbetar med installationer, skulptur, objekt, video och poesi. 

Mitt första miljöverk var Informationen på Bok & Biblioteksmässan1997, där jag visade ett multimediaverk om klimatförändringarna. Jag har sedan dess arbetat med teman såsom odlingslandskapens monokulturer, sterilisering av utsäde och fröns groningsegenskaper. Ett tema som har vidareutvecklats i en serie av väggcollage är Artdatabankens rödlistning av arter och dess utdöenderisk och dess effekt på biologisk mångfald. 

www.monapetersson.se

I:DI Galleri presenterar

Faser och förhållanden

ID:I Galleri presenterar Helena Pehrsson Faser och förhållanden målningar

29/4-15/5

Vernissage fredag 29/4 kl 17-20

Öppettider:
tor – fre 12 – 18
lör – sön 12 – 16

Fortsätter envetet att skildra tomma rum, men har placerat ut former för att se nya förhållanden. Större målningar med oljefärg och små i akvarell.

På de små jag kallar Etyder, har jag målat som i cirkel baklänges eller en ström framåt. Målar, stramar till, löser upp, tar bort delar eller alltihop och så runt igen. Akvarellfärgen torkar snabbt och är lätt att skölja av så jag kan byta och välja pannå hela tiden. Det blir ett ganska snabbt tempo vid varje tillfälle. De olika bilderna kräver olika mycket förändringar, någon kan bli kvar i utgångsläge, någon känns klar och några blir nästan utslitna. Det blir en övning i att inte fastna och i att stanna och släppa, följa med i de olika faserna och låta motivet justeras eller ändras tills tid och underlag inte medger fler ändringar och det förhoppningsvis sitter.